Cinema and Dreams
How the industry sells, creates, and destroys expectations in the 2020s
The Cannibalistic Cycle of the Audiovisual Industry
First and foremost, the film market operates through cycles. Within these cycles, idealizations are constructed that, when stimulated, produce a controversial reception. In short, cinema in today's global landscape behaves like a cannibalistic system.
But let’s take it step by step: how are the dreams of reaching greater heights in hubs like Hollywood actually built?
In a capitalist society, the collective human structure reveals self-destructive traits. One of the main examples of this is how world governments operate through successive administrations. However, it would be superficial to present this information without connecting it to the audiovisual sector: the industry renews itself through new names and promises of a future superior to the past. Yet, upon closer inspection, it becomes clear that the problem was never the creative mind, but rather the method established from the very beginning. Thus, the projection was never the issue; what truly hinders the machine is the system itself.
Illusory Innovation and the Relief of Reality
Focusing on the audiovisual landscape, we see a sector that renews itself in illusory ways. An example of this was Martin Scorsese’s The Irishman, marketed at the time as a major innovation. While the de-aging technology was certainly disruptive, it was not unprecedented; the industry sold the prospect of a revolution that ultimately failed to materialize—generating, instead, the famous "uncanny valley" effect.
So how are these expectations implanted if the system's flaws are so noticeable?
Dreams are ways of seeing the world—a way of perceiving things that makes reality a little less violent. It is like putting a Band-Aid on a wound: it doesn’t cure it, but it provides relief. So when given the opportunity to dream, we hold onto the hope that our worldview will one day mean something to reality. This raises a new question: what is the role of the artist in this environment?
The Singularity of Pain and the Human Fingerprint
Art, in its philosophical definition, is the act of self-expression. From this perspective, creating something entirely from scratch is unlikely, if not impossible. Nevertheless, constant individualities reflect how unique and complex human beings are amidst their ups and downs. One of these constant reflections stems from a feeling as profound as well-being: the experience of discomfort.
The complexity of pain is what contextualizes moments. It is within discomfort that we find glimpses of comfort, nostalgia, and pleasure—moments that complement the human experience on Earth. When translated into art, this experience becomes a kind of fingerprint: everyone has one, yet each is unique.
The Formatting of Talent and Ready-Made Formulas
This brings us to the crucial point of this reflection: the cannibalistic behavior of the industry and how it cultivates and destroys new talent.
Initially, encouraging new names seems noble, but it reveals itself to be illusory. Today, cultivating talent is much more about selling the capitalist ideal than truly valuing the artistic scene. It is through premature aspirations that the market shapes its "new" names. In this context, Syd Field’s influence is worth highlighting.
Field established rules in film education that were widely adopted as common sense. Filmmakers like Jean-Luc Godard, Chantal Akerman, and Hong Sang-soo, who seek to deepen cinematic language beyond conventional limits, reiterate narrative complexity. But what is this universalized rule? The three-act structure.
This rule consists of standardizing narrative structure. Even if it was not the author's original intention, it created an industrial gear where bold minds are increasingly scarce. Guided by commercial standards, cinema gradually stops being a complex art form and becomes a cold, methodical process. Consequently, creators enter with their own perspective, are taught that their imagination was wrong, and emerge as new marketable names—yet stripped of authentic ideas.
The Final Product and the Courage to Transform
As a result, the frustration generated by this structure feeds a toxic workplace—take, for instance, the burnout experienced by Marvel’s visual effects teams.
In short, we observe a market that sells dreams and buys formulas. At the end of the cycle, its products are nothing more than an assemblage of partial ideas: without purpose, without sense, and above all, without personality.
In conclusion, what the film industry truly lacks is the courage to be different, combined with a redefinition of what is marketed as "cinema.".
Cinema may be an industry, but it is also an act of expression driven by a collective force, standing as one of the most complex art forms to produce. Creation needs the necessary freedom to move through all its stages—from dream to deconstruction—rekindling ideas and preserving visions capable of transforming the world.
PORTUGUÊS:
Cinema e Sonhos
Como a indústria vende, cria e destrói expectativas nos anos 20
O Ciclo Canibal da Indústria Audiovisual
Primeiramente, o mercado cinematográfico funciona por meio de ciclos. Neles, constroem-se idealizações que, ao serem estimuladas, produzem uma receptividade controversa. Em suma, o cinema no atual cenário global comporta-se como um sistema canibal.
Mas vamos por partes: como são construídos os sonhos de alçar voos maiores em direção a polos como Hollywood?
Em uma sociedade capitalista, a estrutura humana coletiva revela traços autodestrutivos. Um dos principais exemplos disso é a forma como os governos mundiais operam através de sucessivas gestões. Contudo, seria raso lançar essa informação sem associá-la ao audiovisual: o setor se renova por novos nomes e por promessas de um futuro superior ao anterior. No entanto, ao analisar a fundo essas propostas, nota-se que o problema nunca foi a cabeça criativa, mas sim o método estabelecido desde o início. Com isso, a projeção nunca foi o entrave; o que de fato atrapalha a engrenagem é o próprio sistema.
A Falsa Inovação e o Alívio da Realidade
Centrando o olhar no audiovisual, vê-se um setor que se renova de forma ilusória. Um exemplo disso foi The Irishman, de Martin Scorsese, vendido à época como uma grande inovação. De fato, a tecnologia de rejuvenescimento foi disruptiva, mas não inédita; a indústria vendeu a perspectiva de uma revolução que, na prática, não se concretizou — gerando, ao contrário, o famoso efeito do "vale da estranheza".
Mas como as expectativas são implantadas se as falhas do sistema são tão perceptíveis?
Os sonhos são formas de enxergar o mundo; um modo de ver as coisas que torna a realidade um pouco menos violenta. É como colocar um band-aid em um machucado: não cura, mas alivia. Assim, quando surge a oportunidade de sonhar, alimenta-se a esperança de que nossa visão de mundo significará algo perante a realidade. Disso deriva uma nova questão: qual é o papel do artista nesse meio?
A Singularidade da Dor e a Digital Humana
A arte, em sua definição filosófica, é o ato de se expressar. Sob essa ótica, a criação de algo do absoluto zero é improvável, senão impossível. No entanto, existem individualidades constantes que refletem o quanto o ser humano é único e complexo em meio às suas idas e vindas. Uma dessas reflexões provém de um sentimento tão profundo quanto o bem-estar: a vivência do desconforto.
A complexidade da dor é o que relativiza os momentos. É no incômodo que encontramos lapsos de conforto, nostalgia e prazer — instantes que complementam a experiência humana na Terra. Quando traduzida na arte, essa vivência torna-se uma espécie de impressão digital: todos possuem, porém cada uma é única.
A Formatação do Talento e as Fórmulas Prontas
Chega-se, assim, ao ponto crucial desta reflexão: o comportamento canibal da indústria e o modo como ela cultiva e destrói novos talentos.
Inicialmente, incentivar novos nomes parece um ato nobre, mas revela-se ilusório. Na atualidade, cultivar talentos alinha-se muito mais à venda do ideal capitalista do que à valorização real da cena artística. É por meio de aspirações prematuras que o mercado molda seus "novos" nomes. Nesse contexto, vale destacar a influência de Syd Field.
Field instaurou regras no ensino acadêmico de cinema que foram absorvidas como senso comum. Cineastas como Jean-Luc Godard, Chantal Akerman e Hong Sang-soo, que buscam aprofundar a linguagem cinematográfica para além dos limites convencionais, reiteram a complexidade narrativa. Mas qual é essa regra universalizada? A estrutura dos três atos.
Essa regra consiste na padronização narrativa. Mesmo que não tenha sido a intenção original de seu autor, ela criou uma engrenagem industrial onde mentes ousadas se tornam cada vez mais escassas. Guiado pelo padrão comercial, o cinema deixa gradualmente de ser uma arte complexa para se tornar uma atividade metódica e fria. Consequentemente, os criadores entram no processo com uma perspectiva própria, são ensinados de que sua imaginação estava errada e saem como novos nomes comercializáveis, porém desprovidos de ideias autênticas.
O Produto Final e a Coragem de Transformar
Como resultado, a frustração gerada por essa estrutura alimenta um mercado de trabalho tóxico — vide o caso de burnout enfrentado pelas equipes de efeitos especiais da Marvel.
Em suma, observa-se um mercado que vende sonhos e compra fórmulas. Ao final do ciclo, seus produtos nada mais são do que um aglomerado de ideias parciais: sem objetivo, sem nexo e, sobretudo, sem personalidade.
Concluindo, o que de fato falta à indústria cinematográfica é a coragem de ser diferente, aliada a uma redefinição do que se vende como "cinema".
O cinema pode ser uma indústria, mas é também um ato de expressão movido por uma força coletiva, figurando entre as artes mais complexas de se produzir. A criação precisa da liberdade necessária para percorrer todas as suas etapas — do sonho à desconstrução —, reavivando ideias e preservando visões capazes de transformar o mundo.
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