“The most personal, is the most creative”

 

A brilliant phrase, or just a common one?

Let us finally analyze something that one of the greatest names in modern cinema said: “The most personal, is the most creative.” What does this mean? To find this answer, we must go back around 75,000 to 100,000 years ago, when human beings first reproduced art through painting.

Cave art and the void of meaning

Cave painting is an expression of the true human face, marked by the specificity and precision of Neanderthals' daily lives, a historical derivation of the evolutionary line of Homo sapiens. I bring this detail to examine something that, over time, has unraveled — not due to its absence, but rather because of the method and purpose of what came to be made.

Little is known about the intention or purpose of Neanderthal art. It is an intense and completely empty debate, if we want to understand what was actually going on in the mind of that person who was, factually, humanity’s first artist. The emptiness, in the Neanderthal sense, stems from a question that even today we cannot comprehend: we do not truly know what art is. Across its periods of study, we have characteristics, but nothing that explains how individuality is so closely linked to the collective.

So, we can conclude that something between reproduction and imagination lived inside that person — something that marked a period of their life and made that painting vivid. This raises the debate: how real can art be?

What lies beyond flesh and bone?

This question reveals much more about how realistic we are with ourselves than it does about a relativization of art and its possibilities. We are, after all, flesh and bone. But what do we have beyond that? This question answers the previous one.

Today, we know that the function of art has ceased to be a portrait and has come to be seen as a market. And do you know what fuels the art market? The ego. The artistic ego is much more than wanting to be better. It ceases to be individual and becomes strategic. Thus, we have controversies. These controversies generate a superficial interest from the public in the artist, and consequently provoke a pre-existing discomfort — such as, for example, “dislikes” on YouTube, which produce much more of a herd effect than a genuine opinion.

The origin of the artistic ego

To understand where, theoretically, this artistic ego comes from, let's keep it simple: “artistic ego” is a term used to refer to what happens to an artist in relation to the reproduction and public reaction to their art. One of the most emblematic cases in cinema concerning the ego involves a film that I love: The Brown Bunny, by Vincent Gallo.

The year was 2003, at the Cannes Film Festival. Vincent Gallo and the critic Roger Ebert argued aggressively about an opinion regarding the film. That definitively hit Gallo’s ego. Consequently, it became personal, resulting in the phrase: “I can lose weight, but Vincent Gallo will forever be the director of The Brown Bunny.”

Do you understand how the industry created a model of an artist who must necessarily be competitive, instead of being fundamental to the study of human psychology?

Back to Scorsese

With this explanation, we return to Scorsese’s phrase. Associating it with what has been said, the market changed the intention of the first artist in history. Competitiveness marks a time of segregation in the global artistic field, making works that stir the inner “self” increasingly rare — works whose characteristics would, in theory, form a result of nuances minimally created through small details.

So, what can we expect from authorship in this scenario? That is a question whose answer we will have to wait for.

A breath of renewal in cinema

However, in cinema, authorship is slowly being reborn. I use an unexpected director as an example: Sean Baker. Director of modern films such as The Florida Project (2017) and Tangerine (2015), Baker portrays a life rarely discussed — something I would classify as a formality of recognizing life in the areas that the government does not reach. Lives that society chooses to ignore become, for a moment, worthy of the spotlight.

But, as not everything is flowers, this example is one among so many authorial voices that are emerging and which have no real space in the mainstream. Meanwhile, works like those from Marvel and DC remain the center of the market. And that is not bad — do not be fooled by the talk that there is an active enemy in the industry.

The golden age that will not return

There was a time in cinema, in the 70s and 90s, when the market dared to give chances to authorial directors. And the result? Today we know this period as “the golden age of cinema.” But this will never happen again, because back then technology was not determinant for the creation of a film. What I mean is: when technology becomes part of production and commercialization, the main idea becomes the exploitation of technology above human creation — just as Charles Chaplin depicted in Modern Times.

Will human beings be replaced?

To conclude, we briefly enter a debate: will human beings be replaced? They will not. But at the same time... they already are being replaced. What was once a detail-oriented role, such as that of a script supervisor, will soon be reduced and resolved through chroma keys. Does this reduce their importance? No. But it raises an alert about how far technology should intervene in human experience — in all areas.

Elsewhere, reality flows into tears. The industry asks for thinkers but does not fund ideals for fear of deconstruction. Here, we cite politics. After all, art is politics. For funding to reach thinkers, we need someone who values art, because within it lies the human being. In other words, the hypocrisy of the human being is directly linked to the fragility of an organizing system.

Consequently, Scorsese was right. But not even the artistic voices that praise him combat the ignorance created by the market. The unhappiness of having access to information is equivalent to its quality and functionality. In short, the hypocrisies of the 21st century.

PORTUGUÊS: 

Uma frase genial, ou apenas comum?

Vamos finalmente analisar algo que um dos maiores nomes do cinema moderno disse: “The most personal, is the most creative”. O que isso significa? Para obtermos essa resposta, vamos recuar cerca de 75 a 100 mil anos atrás, quando o ser humano reproduziu a arte pela primeira vez por meio da pintura.

A arte rupestre e o vazio do significado

A pintura rupestre é uma expressão da verdadeira face humana, marcada pela especificidade e precisão do cotidiano dos Neandertais, uma derivação histórica da linha evolutiva dos Homo sapiens. Trago esse detalhe para examinarmos algo que, ao longo do tempo, se desfez — não por sua ausência, mas sim pelo método e objetivo do que passou a ser feito.

Pouco se sabe sobre a intenção ou a finalidade da arte dos Neandertais. É um debate intenso e completamente vazio, se quisermos entender o que de fato se passava na cabeça daquele que foi, factualmente, o primeiro artista da humanidade. O vazio, no sentido dos Neandertais, é fruto de uma questão que, até mesmo nos dias atuais, não podemos compreender: não sabemos o que de fato é a arte. Entre seus períodos de estudos, temos características, mas nada que explique como a individualidade está tão ligada ao coletivo histórico que demarcava movimentos, esses tais como o realismo, renascentismo, etc... É uma questão natural de evolução, esta, quase que exclusiva do ser humano.

Então, podemos concluir que algo entre reprodução e imaginário habitava aquela pessoa — algo que demarcou um período de sua vida e tornou aquela pintura vívida. Isso levanta o debate: o quão real a arte pode ser?

O que há além da carne e osso?

Essa pergunta diz muito mais sobre o quanto somos realistas em relação a nós mesmos do que sobre uma relativização da arte com suas possibilidades. Somos, enfim, carne e osso. Mas o que temos além disso? Essa pergunta responde à pergunta anterior.

Sabemos, nos dias atuais, que a função da arte deixou de ser um retrato e passou a ser vista como mercado. E sabe o que fomenta o mercado artístico? O ego. O ego artístico é muito mais do que querer ser melhor. Ele deixa de ser individual e passa a ser estratégico. Logo, temos polêmicas. Essas polêmicas geram um interesse superficial do público no artista e, consequentemente, provocam um desconforto pré-existente — como, por exemplo, os “dislikes” no YouTube, que produzem muito mais um efeito manada do que uma opinião genuína.

A origem do ego artístico

Para entendermos de onde, teoricamente, vem esse ego artístico, vamos simplificar: “ego artístico” é um termo usado para se referir ao que acontece com um artista em relação à reprodução e à reação pública diante de sua arte. Um dos casos mais emblemáticos do cinema envolve um filme que eu amo: The Brown Bunny, de Vincent Gallo.

O ano era 2003, no festival de Cannes. Vincent Gallo e o crítico Roger Ebert discutiram em tons agressivos sobre uma opinião a respeito do filme. Aquilo atingiu definitivamente o ego de Gallo. Consequentemente, tornou-se pessoal, resultando na frase: “Eu posso emagrecer, porém Vincent Gallo será para sempre o diretor de The Brown Bunny.”

Entendem como a indústria criou um modelo de artista que necessariamente deve ser competitivo, em vez de fundamental no estudo sobre a psicologia humana?

Voltando a Scorsese

Com essa explicação, retornamos à frase de Scorsese. Associando ao que foi dito, o mercado mudou a intenção do primeiro artista da história. A competitividade marca um tempo de segregação na área artística global, tornando cada vez mais raras as obras que instigam o “eu” interno — obras cujas características formariam, em tese, um resultado de nuances criadas por pequenos detalhes.

Então, o que esperar da autoralidade nesse cenário? Essa é uma pergunta cuja resposta teremos que aguardar.

Um sopro de renovação no cinema

No entanto, no cinema, a autoralidade está renascendo aos poucos. Uso como exemplo um diretor inesperado: Sean Baker. Diretor de filmes modernos como The Florida Project (2017) e Tangerine (2015), Baker retrata uma vida pouco falada — algo que eu classificaria como uma formalidade de reconhecer a vida nas áreas que o governo não alcança. Vidas que a sociedade opta por ignorar tornam-se, por um momento, dignas de holofote.

Mas, como nem tudo são flores, esse exemplo é mais um entre tantas vozes autorais que estão surgindo e que não possuem espaço de fato no mainstream. Enquanto isso, obras como as da Marvel e DC continuam sendo o centro do mercado. E isso não é ruim — não se deixem enganar pela conversa de que há um inimigo atuante na indústria.

A era de ouro que não voltará

Houve uma época no cinema, nos anos 70 e 90, em que o mercado ousou dar chances a diretores autorais. E o resultado? Hoje conhecemos esse período como “a era de ouro do cinema”. Mas isso não vai acontecer nunca mais, pois naquela época a tecnologia não era determinante para a criação de um filme. Quero dizer: quando a tecnologia passa a ser parte da produção e da comercialização, a ideia principal passa a ser a exploração da tecnologia acima da criação humana — tal qual Charles Chaplin retratou em Tempos Modernos.

O ser humano será substituído?

Para concluir, entramos brevemente em um debate: o ser humano será substituído? Não será. Mas, ao mesmo tempo... já está sendo. O que antes era uma função detalhista, como a de um continuísta, em breve será reduzido e resolvido através de chroma keys. Isso reduz sua importância? Não. Mas abre um alerta sobre até que ponto a tecnologia deve intervir na vivência humana — e isso em todas as áreas.

Outrora, a realidade deságua em lágrimas. A indústria pede pensadores, mas não financia ideais por medo de uma desconstrução. Nisso, citamos a política. Afinal, arte é política. Para que o financiamento aos pensadores ocorra, precisamos de alguém que valorize a arte, pois nela há o ser humano. Ou seja, a hipocrisia do ser humano é diretamente ligada à fragilidade de um sistema organizador.

Consequentemente, Scorsese estava certo. Mas nem mesmo as vozes artísticas que o veneram combatem a ignorância criada pelo mercado. A infelicidade de se ter acesso à informação é equivalente à sua qualidade e funcionalidade. Enfim, as hipocrisias do século XXI.

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